В «Манеже» проходит выставка «Части стен», на ней представлены работы 70 уличных художников из разных городов России.
На лекции дополнительной программы выставки художник и теоретик современного искусства Дмитрий Аске рассказал, как уличные граффити-райтеры перестали ассоциироваться с вандализмом, зачем они выставляются в галереях и музеях и как вокруг уличного искусства выросла целая индустрия.
«Бумага» публикует выдержки из лекции.
Дмитрий Аске
Когда появилось граффити и как стрит-арт развивался в США и Европе
Коммуникация между людьми в общественном пространстве началась очень давно — с петроглифов, выдолбленных в камнях. Еще до появления письменности люди использовали пространство, чтобы общаться друг с другом, божествами, природой. И эта функция общественного пространства никуда не делась.
С появлением письменности люди продолжили оставлять друг другу послания — на стенах домов, скалах и так далее. Сам термин «граффити» появился еще в древности: например, граффити в Помпеях — просто надписи на стенах жилых домов. Сегодня такое явление существует с тем же успехом.
В Филадельфии в конце 1960-х годов появилось субкультурное граффити, которое у многих ассоциируется с хип-хопом: подростки на стенах домов тиражировали свои псевдонимы с помощью маркеров и аэрозольной краски. С возникновением этой субкультуры в Нью-Йорке как основную площадку для коммуникации друг с другом стали использовать метрополитен. Отличие субкультурного граффити заключается в том, что райтеры пишут исключительно свои псевдонимы или названия своих команд — вся коммуникация сводится к общению и соревнованию внутри сообщества райтеров.
Первая выставка с работами райтеров состоялась уже в 1973 году, псевдонимы перенесли со стен на холсты. Организатором выставки был Хьюго Мартинес, на тот момент студент-социолог, который увидел в этом занятии подростков из неблагополучных кварталов новое явление и попытался направить эту творческую, но в то же время деструктивную энергию в созидательное русло.
К концу 1970-х граффити полностью захватило нью-йоркскую подземку: почти все составы метро были покрыты рисунками ни в один слой. Именно образ граффити на вагонах нью-йоркского метро стал отправной точкой для тех райтеров, которые появились в Европе и других странах мира.
На волне популярности молодежных культур, таких как [танец] брейкинг, эмсиинг, который впоследствии стал рэпом, граффити, в начале 1980-х сформировалась культура хип-хопа. Несмотря на негативное отношение жителей Нью-Йорка к граффити, на телевидении и в прессе появлялось множество сюжетов и материалов про хип-хоп-культуру. Граффити-райтеры стали постепенно проникать в мир искусства: владельцы небольших галерей обратили внимание на это явление и стали приглашать райтеров, чтобы они выставили свои работы на холстах в их галереях.
Благодаря книге Subway Art и фильму Style Wars, которые рассказывали о феномене граффити в США, оно попадает в Европу — субкультура продолжила свое развитие уже на европейском континенте. При этом в самом Нью-Йорке к тому времени власти взялись за борьбу с преступностью и, в частности, граффити. Уже к концу 1980-х почти все вагоны метро были очищены, специальный отдел по борьбе с граффити серьезно занялся райтерами.
К началу 1990-х в Европе, благодаря тому, что райтеры из разных стран и городов не были тесно связаны друг с другом, появились собственные стили. Позднее появились первые фанзины (самиздат — прим. «Бумаги»), налаживалась субкультурная коммуникация между райтерами Европы, движение начало набирать еще большие обороты.
К началу 2000-х некоторые европейские райтеры устали от тиражирования собственного псевдонима и стали заменять его различными персонажами, знаками, логотипами и другими графическими изображениями. Они стали первыми уличными художниками, которые занимались тем, что позднее назвали стрит-артом.
Во второй половине нулевых появились первые крупные фестивали уличного искусства, где художникам предоставляли возможность продемонстрировать свои работы в большом формате. До этого стрит-арт представлял собой наклейки, трафареты, небольшие рисунки, соразмерные с ростом человека. С фестивалями у художников появилась возможность создавать масштабные произведения. Сейчас фестивали стрит-арта являются основными мероприятиями, благодаря которым в современном обществе сформировался образ уличного искусства.
Так уличное искусство стало достопримечательностью по всему миру. В тот момент представители бизнеса и власти поняли, что уличное искусство привлекает внимание, которое можно монетизировать. Художники стали участниками процесса джентрификации — превращения недорогой территории и недвижимости в места, которые привлекают внимание малого и крупного бизнеса.
Один из таких примеров в США — квартал Wynwood. Известный предприниматель Тони Голдман выкупил большой складской квартал, где почти ничего не происходило, и пригласил туда огромное количество самых известных в мире уличных художников, которые расписали все здания. Благодаря этому в квартал приехало огромное количество людей со всего мира, а позднее и в этом квартале, и рядом открылось большое количество магазинов, ресторанов и галерей. Сейчас это одно из самых модных мест в Майами.
Многие художники, начинавшие свой путь на улицах, не только рисуют в общественном пространстве, но и создают студийные работы, продают их в галереях, сотрудничают с брендами, занимаются какими-то коммерческими проектами — то есть являются просто разносторонними художниками. Многие из них уже не рисуют на улицах — и не совсем правильно говорить, что они остаются уличными художниками. Поэтому в России, а конкретнее в Петербурге в 2015 году, и был предложен термин «художники уличной волны». Он описывает этих авторов, которые пришли с улиц, но занимаются различными проектами.
О роли Бэнкси в уличном искусстве и выставках стрит-арта
Нельзя не упомянуть такого человека, как Бэнкси: он очень сильно повлиял на распространение и популяризацию граффити и уличного искусства по всему миру. Благодаря Бэнкси на художников, которые пришли с улиц, больше внимание стали обращать владельцы более серьезных галерей и аукционисты. Где-то в 2008–2009 годах работы Бэнкси произвели фурор и были проданы с многократным превышением оценочной стоимости — это позволило ему стать очень успешным коммерческим автором.
Кроме Бэнкси существует огромное количество известных уличных художников — миллионеров. Например, американец Шепард Фейри. Таких людей не пересчитать на пальцах двух рук. Публика считала такое искусство ребячеством и не понимала, какое отношение это имеет к искусству в широком смысле, но благодаря фестивалям и таким людям аудитория поняла, что на самом деле это намного серьезнее, чем могло показаться в начале.
Сегодня уличное искусство воспринимается как часть современного. Как пример, выставка Bridges of Graffiti, прошедшая в 2015 году на Венецианской биеннале современного искусства. Присутствие там уличных художников говорит о том, что они достигли определенного статуса в современном искусстве и культуре вообще.
Чем граффити отличается от стрит-арта
Граффити — это тиражирование собственного псевдонима и названия своей команды. Изображение какого-нибудь военачальника на стене в Москве на самом деле не имеет никакого отношения к граффити, кроме того, что это также зачастую рисуется аэрозольной краской. В прессе очень часто это называют граффити: «Новое граффити с Мининым и Пожарским появилась в центре Москвы». Но в данном случае это просто настенная роспись.
Стрит-арт вышел из граффити, поскольку первые уличные художники были граффити-райтерами. Отличается от граффити он тем, что у авторов намного больший спектр инструментов для создания произведения. И если граффити-райтеры в первую очередь рассчитывают на диалог со своими коллегами и диалог внутри субкультуры, уличные художники рассчитывают на диалог с широким кругом зрителей и делают свои работы понятными и доступными любому прохожему на улице. Это могут быть и маленькие работы-инсталляции, и интерактивные проекты, и огромные росписи.
Основное отличие стрит-арта от паблик-арта — его несанкционированность. Если художник просто выходит на улицу и делает то, что хочет, это стрит-арт. Если художник работает на фестивале с определенным бюджетом, организаторами, спонсорами — это уже паблик-арт.
С уличным искусством часто путают монументальную рекламу: она выглядит примерно так же. В монументальной рекламе используют те же инструменты, и даже некоторые граффити- и уличные художники участвуют в ее создании как исполнители. В США такая практика появилась давно: там даже есть компании, которые специализируются на такой рекламе. В Москве, когда власти запретили размещение баннерной рекламы, многие фасады в центре города стали покрывать рекламой, нарисованной вручную.
Кроме того, в Москве спустя много лет снова появилась такая вещь, как монументальная пропаганда. Зачастую она выглядит достаточно печально. Встает вопрос, насколько вообще уместно использовать такие масштабные поверхности в центре города для росписей, будь то коммерческая реклама и пропагандистские истории или фестивальные работы художников.
Какая инфраструктура возникла вокруг уличных художников
Фестивали. Это площадка для широкомасштабного высказывания. Чаще всего художники не зарабатывают на создании росписей, но благодаря интернету и соцсетям их уличные работы становятся отличной рекламой собственного творчества — и они получают деньги за продажу студийных или галерейных произведений.
Агентства. Они работают с граффити-райтерами и уличными художниками, приглашая их для взаимодействия с брендами. Это могут быть как творческие проекты и коллаборации, так и просто росписи (в этом случае художник выполняет роль ремесленника, которого приглашают расписать офис, нанести какую-то рекламу и так далее).
Издания. В Европе существуют целые издания, посвященные искусству уличной волны — urban contemporary art. Во Франции уже несколько лет издается ежегодный альманах Le Guide de L’art Contemporain Urbain — с подборкой художников, которые пришли с улиц и чьи работы можно купить в европейских галереях.
Галереи. Естественно, по всему миру существует огромное количество галерей, которые сотрудничают исключительно с художниками уличной волны. Многие из них стали очень успешными, как, например, галерея Стива Лазаридеса, который раньше был агентом Бэнкси. В последнее время работы художников уличной волны стали появляться на аукционах современного искусства даже в России. Например, на аукционе, который стал результатом сотрудничества фонда RuArts и биеннале «Артмоссфера». Там представлены только художники с уличным бэкграундом.
Ярмарки. В Европе проходят даже специализированные ярмарки, та же Urban Contemporary Art. Некоторые известные уличные художники участвуют и в известный ярмарке Art Basel. Ярмарки — это хорошие площадки для взаимодействия с коллекционерами и галеристами. Художники уличной волны обязаны тем, кто на ранних этапах увидел в них потенциал, стал покупать их работы и сводить с теми людьми, которые могут организовать их музейные выставки.
Независимые институции. В конце концов, кроме музеев, где такие выставки периодически проходят, в Европе и России стали появляться независимые институции, посвященные уличному искусству. Такие как, например, Музей стрит-арта в Петербурге или музей MIMA в Брюсселе.
