19 лучших спектаклей 2018 года, на которые точно стоит сходить в Петербурге. От спектакля-сериала до постановки с 300 кг льда

«Беглец» по повести «Казаки» Льва Толстого — дебют режиссера Айдара Забаррова в Театре имени Ленсовета. По сюжету, молодой человек уезжает из наскучившей Москвы на Кавказ — в поисках разухабистой свободной жизни. Но если у Толстого отношения героев перемежаются объемными описаниями горной природы и казачьего быта, то в постановке Забаррова на первый план выходят личные переживания героев.

Спектакль честнее назвать инсценировкой: режиссерской интерпретации в нем практически нет. Зато есть хорошая актерская работа и оригинальное художественное оформление. Декорации в привычном смысле отсутствуют, сцену застелили деревянными досками, на которые время от времени льется вода.

Главного героя серии книг шведской писательницы Мони Нильсон зовут Цацики Юхансон (мама назвала его так в честь своего любимого соуса). Цацики идет в школу, где первый раз влюбляется и даже ввязывается в драку, а Мамаша всячески его поддерживает. В театре «Суббота» эту забавную историю режиссер Юлия Каландаришвили умудрилась поставить лишь с двумя артистами и элементарным реквизитом вроде тетради, клея-карандаша и транспортира. В результате получился качественный семейный спектакль, который с одинаковым интересом смотрят и дети, и взрослые.

В этом спектакле режиссер Виктор Бугаков использует не только знаменитый гоголевский сюжет, который дал постановке название, но и цитаты из других произведений писателя: «Мертвых душ», «Женитьбы» и «Петербургских повестей». Как следствие, главная роль отведена не майору Ковалеву, а Дьяволу, бессловесную роль которого исполняет Рача Махатаев.

Постановка Бугакова эффектная и динамичная: за танцами следует хор, за театром теней — видеопроекция. Стремительный темп, с одной стороны, не позволяет зрителю заскучать, но с другой, за 2,5 часа может и утомить.

Спектакль молодого режиссера Антона Оконешникова и хореографа Алексея Салогуба — пример того, какой может быть режиссура, если умело использовать современные технологии.

Созданный по мотивам скандальной футуристической оперы «Победа над солнцем», над которой в 1913 году работали Матюшин, Крученых, Хлебников и Малевич, «Солнца ьнет» является лишь одним из вариантов ее интерпретации. 30 зрителей спектакля помещают на подвижную конструкцию-аттракцион и отправляют в будущее, где правит машинерия, а человечество представлено лишь в языческом племени «будетлян». Минималистичные декорации и костюмы, синонимичные известным эскизам Малевича, для «Солнца ьнет» разработала художница Елена Жукова.

Действие спектакля происходит в будущем, где каждый за приличные деньги может сконструировать себе партнера по потребностям: выбрать цвет волос, рост, характер. Фантастическую историю о том, как главная героиня решается на подобный эксперимент, написала драматург Мария Зелинская, а на сцену перенес режиссер Руслан Нанава. Правда, финал спектакля прозаичен: вместо «идеала» девушка влюбляется в живого мужчину.

Эмоциональные диалоги героев сбалансированы минималистичными декорациями: почти всю площадь небольшой сцены занимает черный кожаный диван. Отдельно стоит обратить внимание на работу со светом художника Валентина Бакояна.

Ксению Волкову, продюсера независимого петербургского «театра post», номинировали на «Прорыв» за успешный выпуск сразу трех спектаклей, на каждый из которых стоит сходить.

«Диджей Павел» — реальная дискотека, на которой каждый может станцевать с актерами под песни Пугачевой, Леонтьева и другие хиты эстрады 80-х годов. «Художник извне и изнутри» — это спектакль-выставка руководителя театра Дмитрия Волкострелова и критика и куратора Дмитрия Ренанского. А «Я свободен. Частично» Всеволода Лисовского поставлен (как и «Диджей Павел») по уникальной пьесе Павла Пряжко, которая состоит из 535 фотографий и 13 подписей к ним.

Режиссер Иван Пачин не боится разговаривать с маленькими детьми о сложном: о смерти близких, разводе родителей и неизбежности взросления. С теплотой и тонким юмором артисты БТК рассказывают историю итальянского мальчика Тонино, который теряет любимых бабушку и дедушку, а потом пытается уберечь от бульдозера вишневое дерево. Главного героя с безупречной искренностью играет Михаил Ложкин.

Сценография Евгении Исаевой абстрактная: желтая тряпочка изображает солнце, картонка на палочке становится собакой Флоппи, а дерево изображено на полу с помощью бумажного скотча.

Спектакль Елены Павловой — тот случай, когда режиссерская интерпретация оказывается важнее известного сюжета. Поставленный по опере современного композитора Александра Маноцкова, он провоцирует и смущает: Снегурочка — неприступная девственница, а берендеево царство — одержимая влечением сила.

Создатели заявляют, что в постановке каждый раз используют 300 килограммов льда, а живая рыба, которой в одной из сцен натуралистично вспарывают живот, остается невредимой. Эта версия «Снегурочки» всё еще сопровождается спорами, так что сходить на нее стоит, чтобы составить собственное впечатление.

Главный и единственный герой спектакля Романа Кагановича — пожилой мужчина, «сосланный» семьей в дом престарелых. Он медленно, на глазах у зрителя, сходит с ума, фантазии смешиваются с реальностью. Но сочувствовать ему непросто: персонаж актера Сергея Азеева оказывается неприятным человеком. «Сибирь» — не простой для восприятия спектакль, который требует от зрителя активной эмпатии и вовлеченности.

В спектакле режиссера Евгении Сафоновой главное выразительное средство — речь: каждый актер чеканит слова на свой манер. Исполнители практически не двигаются, удерживая зрительный контакт с залом.

Сафонова вместе с командой традиционно продумывает спектакли до мельчайших деталей. История о детоубийце Медее и ее любовнике Ясоне отличный тому пример: сама Сафонова трансформирует камерную сцену в белоснежный павильон, Сергей Илларионов одевает героев в стильные костюмы, Михаил Иванов сопровождает постановку лаконичным видеорядом.

Пересказать сюжет спектакля Владимира Кустова невозможно: последовательность эпизодов каждый раз разная и задается игральными костями. В основе сюжета — личный дневник девочки Анны Франк, жившей во время Второй мировой в оккупированном Амстердаме.

В двухлетней хронике чередуются война и личные тревоги и радости: в одной из сцен Анна влюбляется и мечтает о платьях, а в другой прячется от немецких солдат в подвале. И Владимиру Кустову и актрисе Ксении Плюсниной в своем спектакле удалось передать эту неоднородность повествования.

Этот спектакль — пример современного кукольного театра, ушедшего от ширм и фигурок из папье-маше. Два ключевых компонента спектакля Яны Туминой — блестящая игра Алисы Олейник и сценография Ника Хамова.

При этом актриса в постановке уже не маленькая озорная девочка, а старушка-Герда, запертая в тесной комнате с предметами, живущими своей собственной жизнью. Из стены может вырасти роза, стол может отодвинуться от табуретки, а перчатка — обернуться черным вороном.

Одна из главных причин, почему «Гамлета» Юрия Бутусова так широко обсуждают, — исполнение заглавной роли Лаурой Пицхелауре. Актриса делает образ одновременно и маскулинным, и лишенным не только гендера, но и возраста, и любой другой характеристики. Это то, на чем настаивает Бутусов: Гамлет уже давно не персонаж, а миф, некая энергетическая субстанция. При этом в «Гамлете» нет финальной сцены: по мнению режиссера, заглавный герой не может умереть.

Андрей Могучий создал сериал-антиутопию с мощным социальным посылом: в двух из трех запланированных частей режиссер скрестил известную сказку Юрия Олеши со «Звездными войнами» и третьим сезоном «Твин Пикса». Авторы утверждают, что работа настолько сложная технически, что спектакль невозможно даже вывезти на гастроли.

В первой части на сцене разрушалась огромная стена из коробок, выкатывалась настоящая артиллерийская пушка и через весь зал по канату перемещался гимнаст Тибул. Во втором эпизоде феерия и аттракцион про сопротивление условного народа условному государству продолжается.

Известную в советское время пьесу «Оптимистическая трагедия» Всеволода Вишневского режиссер Виктор Рыжаков ставит в эстрадной эстетике — с большим количеством музыкальных номеров и пластических этюдов. Артисты исполняют песни «Ленинграда», Pink Floyd и Александра Вертинского, разыгрывают кукольный театр, устраивают рэп-баттл и внезапно зачитывают «народную лекцию о вреде сифилиса в стихах». Правда, сориентироваться внутри спектакля непросто, так что перед походом стоит перечитать пьесу.

Мистическое в спектакле Григория Козлова деликатно отодвинуто в сторону — булгаковский текст режиссер видит как карнавал. Это делает сюжет понятнее, но почти полностью лишает спектакль философского заряда романа. Зрителю стоит быть готовым и к пародиям на «Вечернего Урганта», и к тому, что Воланд курит вэйп.

Важно: спектакль разделен на два вечера и длится в общей сложности восемь часов. Но он совсем не утомителен, и в этом заслуга молодых студентов актерского курса Козлова, которые умудряются перевоплотиться в 155 различных персонажей.

У Лопахина каждые пять минут из носа течет кровь, Гаев стремительно спивается, Аня почему-то беременна от Пети Трофимова, а Раневская ложится на пол и заворачивается в ковер. И выглядит это ужасно забавно. Режиссер Лев Эренбург ставит «Вишневый сад» как фарс, где почти нет места рефлексии, зато много сострадания и нежности по отношению к героям, которых играет сразу четыре поколения выпускников Эренбурга.

«Вишневый сад» в НДТ — редкий случай, когда один из самых заезженных сюжетов успешно перерабатывается режиссером и так же успешно воспринимается публикой.